Marcello Carlin se explaya en una muy buena reseña del Álbum Blanco. Toca puntos claves y muy interesantes acerca de la importancia y la existencia de este disco. El disco posmoderno de The Beatles por excelencia y decadencia.
Much can be and has been suggested about the WhiteAlbum, of course; its semi-detached detours, its artful jumpcuts (Lennon’s cheery “Hey up!” from “Bungalow Bill” cutting straight into “While My Guitar Gently Weeps”) and, most of all, “Revolution 9” suggest a forebear of the jump-cutting culture of our present age, scanning the screens, flipping from channel to channel, mousing from website to website, never really settling. It is a loping mess of an album whose sequencing took a continuous 24-hour session at Abbey Road to agree. The record’s fierce discipline undermines its air of indiscipline. There are multiple stories being told here, perhaps a separate one for every listener, but which are the easiest to touch?
Una canción muy bien planeada y milimétricamente hecha es esta Lisztomania, tanto que cuando apareció nunca le presté atención, y sigo sin prestársela. Es una buena canción, de ello no hay duda, pero sus ganchos nunca lograron atraparme.
Eso hasta que vi el fan video hecho por alguien en YouTube que empacó la canción en una serie de imágenes nostálgicas de The Breakefast Club, Pretty in Pink y Footloose. Y la nostalgia, esa que tanto odiamos por acá, llegó con la muerte de John Hughes unos meses atrás. Buscando imágenes de Hughes me encontré con esta visión totalmente diferente de la canción. Algún genio de la Internet encontró esas cosas que le hacen falta a la canción y las puso en un video que funciona abrumadoramente bien. (Hay que agregar que el video oficial de Lisztomania es muy aburrido y le hace mucho daño a la canción).
Pitchfork ha hablado. El álbum número 1 de la década, según ellos, es Kid A de Radiohead. Es imposible pelear con eso, es decir, sí, Kid A es probablemente uno de los discos más grandes de los últimos diez años. Pero la pregunta esencial es ¿representa Kid A todo aquello que pasó en esta década? No lo sé. Creo que no. Y las razones que da Mark Richardson (el que hizo la reseña en Pitchfork) no son del todo claras para mí. Dice de Kid A:
Radiohead were not only among the first bands to figure out how to use the Internet, but to make their music sound like it, and they kicked off this ridiculously retro decade with the rare album that didn't seem retro.
Puede que haya algo de cierto en eso, pero el Internet que Radiohead 'aprendió' a usar era muy diferente al Internet que ha predominado en esta década. Y decir que el disco es un "rare album" que no parece retro es una cosa que realmente no me cuadra. Kid A es uno de los discos más retro que puede haber. Parece un disco del 78 con producción de nuestros días. Es un homenaje claro y directo a artistas como Kraftwerk, Can, Neu!, Brian Eno, Charles Mingus y Suicide. Todos ellos artistas que tuvieron sus puntos de creación más alta en (o antes de) los setenta. Pero no voy a discutir eso, Kid A es un disco maravilloso y merece estar siempre en el tope de muchas listas.
El que para mí es el disco más importante de la década quedó en el número dos de esta lista, hablo obviamente de Funeral de Arcade Fire. (Si usted es visitante frecuente de este blog creo que ya sabía eso.). Funeral es el disco que divide una década. Es el disco post-911 por excelencia. Un álbum lleno de baladas pop apocalípticas pero a su vez esperanzadoras, con orquestaciones siempre en subida que terminaban en alguna explosión de ruidos, golpes y gritos. Arcade Fire también representa una especie de doble sentido en la historia de la década, fue de las bandas que más aprovecho su carácter 'indie', y justo cuando había amasado una gran cantidad de seguidores y hipsters logró redirigir su rumbo y llenó estadios y festivales de todos los calibres, expandiendo y haciendo mainstream el llamado 'indie'. Nunca perdieron su ambición y tuvieron a sus pies todo lo que quisieron tener. Eso es algo que muy pocos artistas lograron en estos diez años. Muchos se quedaron encerrados en su nicho de autoalabanzas y creyendo que todo lo bueno del mundo estaba en las reseñas de los blogs y de sitios como el mismo Pitchfork.
Pero volvamos a la lista. Viendo el top 10 hay algo muy interesante. Con excepción del disco de Panda Bear, las otras 9 posiciones son todas para discos de antes del 2005. Algo que no me esperaba y me sorprendió gratamente. Sobretodo porque fue luego del 2005 cuando este sitio empezó a caer en el tipo de cosas que siempre he criticado. Pero alguien en este foro lo acaba de decir mucho mejor y sirve para finalizar esta entrada:
I think the Kid A/2000-2002 lean in the top 10 has something to do with the fact that Pitchfork ca. 2000-2004 seemed to be a cerebral, indie-centric, avant-friendly version of the emerging '00s canon. And post-Arcade Fire Pitchfork started trying to write their OWN canon, positioning themselves as leaders, not followers.
Origin: Orphan es el nombre del más reciente disco de los canadienses The Hidden Cameras. Un disco que parece llevar un poco más allá el sonido refinado de la que hasta el momento ha sido su placa más exitosa, Awoo. El sonido de los Hidden se caracteriza por una mezcla de pop de cámara sesentero y una buena cantidad de ganchos lo suficientemente capaces de hacer comparar a esta banda con grandes de su época como Magnetic Fields o Belle & Sebastian.
In The NA es el primer sencillo de este disco que recién fue lanzado esta semana y que ha recibido reviews mezclados. A mí me gustó mucho, sobretodo este sencillo que logra con su video extender el significado de la canción. Un significado bastante difuso, eso sí. El video arranca mostrando a una especie de tribu posmoderna (que parece homenaje a Monty Python) marchando mientras la canción crece en sonidos que van creando expectativa hasta que un sintetizador entra y rompe la tensión junto a unos violines afilados y ruidosos. Presten atención al coro, es muy bueno (and it wouldn't be the single NA). No sé qué significa NA. No sé que quieren mostrar con el video. No sé qué quiere decir la letra. Pero la canción es muy buena y todo está rodeado de una muy buena cantidad de humor.
El disco es muy completo y tiene grandes momentos. Es muy triste que esta banda no tenga la popularidad que merece. Aunque en parte es culpa de los de siempre: Pitchfork. De forma infame le pusieron a este disco un 5.2, y hoy están promocionando con un 9.1 a una de las peores banda que se ha visto este año, unos personajes de San Francisco que tienen el pretencioso nombre de Girls y cuyo disco se llama Album, pero además tienen el descaro de llamar a su primer sencillo Lust For Life, una canción horrible, llena de lugares comunes y con un video espantoso. Pero bueno, así es Pitchfork. Una lastima
Vamos con una de las canciones grandes de la década. Este es el tipo de letras que en boca de otros artistas genera todo tipo de críticas por la ligereza de sus líneas. (Last night I had a dream about you / In this dream / I'm dancing right beside you / And it looked like everyone was having fun / the kind of feeling I've waited so long). Pero acá no, la aproximación de esta canción a su sentido romántico es brillante. La letra en su ingenuidad podría ser fácilmente la atracción que sienten dos adolescentes en su primer noviazgo, pero la voz robotizada con el viejo truco del vocoder lleva las cosas a otro nivel. Los sintetizadores que parecen sacados de una canción de los setenta, los riffs retro-futuristas y esa producción milimétrica llenan la canción de momentos sublimes.
Hay puntos específicos en esta canción que podrían estar entre los más importantes en la historia pop de esta década. El comienzo de la canción que toma el beat prestado de una canción de George Duke marca todo, se escucha lejos, como un radio mal sintonizado, pero a partir de aquí se construye esta gran pieza musical. El beat se queda al fondo y unos sintetizadores haciendo las veces de guitarra se toman la canción con unas secuencias simples y tremendamente pegajosas, la voz entra y todo se vuelve muy bubblegum, los tres versos de la canción y dos pequeños puentes pasan muy rápido, hasta el momento ningún coro, las guitarras sintetizadas pronto se convierten en un beat de baile y sin saberlo estamos metidos en una canción dance de grandes proporciones en donde los sonidos fluyen con una facilidad impresionante. Pero viene lo mejor y para mí la parte que define la canción: ese riff incrustado en la mitad que por unos segundos detiene el tiempo y da sentido a todo, luego de esto estamos bajo los poderes de la melodía, ya no podemos salir de ahí y Daft Punk se ha apoderado de nosotros. Son capaces y tan osados de detener la inercia que han creado y sacar un piano de la nada, un piano que siempre me recuerda a la Logical Song de Supertramp, y lo hacen para volver a invocar la voz robótica, esta vez con lo más parecido a una frase-coro que puede existir (why don't you play the game?), digo coro porque es con el recuerdo que nos quedamos luego de que acaba la canción, que por cierto termina en medio de unos efectos computarizados que rodean un muy buen solo de guitarra y el riff glorioso que se repite como para que nunca lo olvidemos.
Hay que recordar que todo el Discovery de Daft Punk hace parte de una banda sonora de una película anime, cada video que fue lanzado como sencillo contaba algo de la trama de la misma. En Digital Love un personaje de las galaxias se embarca en la misión de rescatar a una banda musical extraterrestre (aquellos del video One More Time) que ha sido secuestrada por una especie de villano o pirata del espacio. Es curioso, pero los efectos computarizados retro al lado de un video futurista dejan una sensación extraña, es como escuchar el emblemático Danubio Azul con imágenes de naves espaciales y satélites.
Una maravillosa canción para uno de los mejores momentos en la historia de Daft Punk. Si me pidieran hacer un ranking de canciones de la década Digital Love estaría en algún lugar de mi top 10.
Nos cogió la noche con esto del resumen de la década, que para efectos de este blog sólo se reducirá a recordar unas cuantas canciones, tal como lo hemos venido haciendo. Y pues a cada quien se le reconoce lo que es, y a los Yeah Yeah Yeahs lo que es de los Yeah Yeah Yeahs. Maps es una canción tan encarnada en el comienzo pop de esta década como cualquier cosa de los Strokes o de los White Stripes. Recuerdo por aquellos días que muchos se preguntaban quiénes eran los de ese grupo que sonaba tan misterioso pero a su vez tan familiar. Esa voz de Karen O. que quisiera escaparse de las notas y meterse en nuestra conciencia con esa frase tan repetitiva y pegachenta como lo es: "Wait, they don’t love you like I love you", esa percusión gruesa que imprimía el carácter misterioso a la canción y una guitarra que parecía resucitar a los Pixies en el comienzo de una década que todavía no se veía como una añoranza a los ochenta como después con gran fervor lo fue.
De los Yeah Yeah Yeahs en sus años posteriores es mejor no hablar, It's Blitz!, su último disco, parece encarrilarlos por un mejor camino, pero de Fever To Tell hasta hoy han pasado una buena cantidad de años, mucha agua ha pasado debajo del puente y Maps sigue trayendo buenos recuerdos, no porque haya sonado en todas las fiestas y reuniones sociales de los últimos siete años, sino porque Maps es una muy buena canción. Una gran canción.
She's Leaving Home es quizá la canción más fina del Sgt. Pepper's después de A Day In The Life. Una canción de la que difícilmente se puede asegurar que es de The Beatles, pues lo único que aportan acá son las voces de Paul y de Lennon, pero eso sí, la canción lleva el sello McCartney inconfundible. La canción fue inspirada en una noticia del Daily Mirror sobre una joven que dejaba su casa y toda la tragedia familiar que esto desencadenaba, sobretodo para aquellos días. Hasta ahí todo es parte de la historia y de esas cosas que siempre rondan la leyenda de The Beatles. Pero lo curioso del caso es la aproximación a la canción que se tiene desde las dos versiones del disco que existen. Hablo obviamente de la versión en Mono y en Stereo. Las dos versiones son tan diferentes que hasta se podría decir que el sentido y el mensaje de la canción cambia totalmente entre la una y la otra. Inicialmente la versión en Mono tiene una velocidad diferente (es más rápida) a su similar en Stereo. Eso hace que la versión en Stereo suene una nota más abajo, más grave. La versión en Mono es la toma original, es decir, tal cual Paul la cantó; para la versión en Stereo lo que hicieron fue cambiar la velocidad y hacerla más lenta, las decisiones que llevaron a esto son totalmente desconocidas, se presume que se debió a algún tipo de problema técnico, pero las razones exactas no se conocen.
Hasta ahí todo normal, pero al escuchar cuidadosamente las dos canciones hay muchas cosas que cambian. La sonoridad en la versión Mono es de tal impacto que aunque la canción suena un poco lúgubre por lo agudo de su tonalidad, parece también celebrar el hecho de que la joven se va de su casa, es decir, musicalmente puede ser más oscura pero su lírica se trasforma totalmente y parece llevar un mensaje más 'alegre', o positivo, si se quiere; como si esta joven que se escapa de la casa fuese elevada a la categoría de héroe, y todo eso lo logra la textura que los violines y el arpa adquieren en su versión monoaural, también los vocales de respaldo de Lennon suenan más ironicos, como si jugara con la tragedia de los padres (we gave her everything money could buy) y se pusiera de lado de ella.
La versión en Stereo es una historia totalmente diferente, los violines son más solemnes, más de iglesia, más sagrados; el arpa es más pura, más limpia, y la voz de Paul es mucho más grave, en este caso la tragedia se consuma, los vocales de John alcanzan el nivel de un lamento de verdad; en la versión en Stereo se configura toda la tristeza familiar, acá todo se pone del lado de los padres, la canción llega a transmitir la angustia que pueden estar sintiendo al perder a su hija.
Lo más curioso de todo, lo casi increible de esto es que las dos canciones son exactamente iguales. A diferencia de otras canciones del cuarteto, en estas dos versiones no hay tomas diferentes ni instrumentaciones extrañas; todo finalmente se reduce a las diferencias sonoras entre las versiones en Stereo y Mono, y claro, al cambio de velocidad. La versión en Stereo tiene una duración de 3.35 minutos y la versión en Mono dura 3.26.
Diez segundos de diferencia para dos canciones que tienen exactamente la misma información, pero que transmiten mensajes completamente diferentes. Así eran las cosas con The Beatles, y así es que nos gustan. (fun is the one thing that money can't buy).
Thank You Girl es una canción extraña. Extraña en el sentido de que puede parecer una de las canciones más simples y rocanroleras de esa época inicial de la banda, de esas a las que nadie nunca se atrevería a comparar con I Am The Walrus o A Day In The Life. Y es ahí donde está lo raro de esta canción. Y mucho más raro en esta versión remasterizada en Stereo — debo decir que me gusta mucho más la versión en Mono, que es más cruda y parece llevar más fuerza, como si fuese tocada en vivo. Pero lo extraño de esta versión remasterizada es la decantación que se puede hacer mentalmente de la canción, fácilmente uno puede separar cada instrumento de los otros, identificar quiénes y en qué momento cantan y hasta se puede escuchar los finos golpes de la batería de Ringo. Pero esa separación no es gratis, no se trata simplemente de oír instrumentos por sí solos. Hay algo más. La armónica que sirve para rematar algunas frases de la canción es un artilugio tan Beatle y tan de los sesenta que me atrevería a decir es la versión beta de lo que harían después con las orquestaciones vaporosas en los discos de la segunda mitad de la década. Ringo al final de la canción rompe todo su esquema beat y lo somete a una serie de golpes secos, fuertes, que lo primero que se me viene a la cabeza es Keith Moon o canciones tan exigentes en percusión como la posterior Hello Goodbye. La voz de John se intercala entre unos gritos dulzones y unas frases agresivas que rasgan su voz (And aaall I goootta dooo is...), estilo que se volvió la firma de Lennon y que se hace más familiar en canciones como Run For Your Life o Ticket to Ride.
Una canción que puede ser entretenida y también intrascendente, pero que como casi todo lo de The Beatles, uno nunca sabe qué puede encontrar.
